Programa de artes visuales/fotografía
Latinoamérica 2022-2023

Ciclo de estudios a distancia de 17 meses de duración para fotógrafxs y artistas visuales vinculados con la fotografía.

Un espacio basado en el seguimiento en profundidad de la obra de cada artista. Proponemos un ámbito de intercambio permanente que enriquezca la producción con miradas diversas y refuerce el análisis y la conceptualización del trabajo de cada participante.

El programa aborda la vinculación entre artista, obra y público y brinda las herramientas necesarias para potenciar este diálogo.

Para lograr estos objetivos destacadxs docentes de la fotografía y las artes visuales trabajarán en formato de clínica con cada proyecto para potenciar la obra desde múltiples perspectivas y dictarán seminarios y talleres específicos.

Desde 2015, se relizaron 15 ediciones del programa en las que participaron más de 300 fotógrafxs y artistas.

La convocatoria se encuentra cerrada. ¡Muchas gracias a todxs lxs participantes! Debido a la cantidad y calidad de las aplicaciones, este año hemos decidido ampliar las becas otorgadas.

Seleccionadxs para el Programa de artes visuales/fotografía 2022-2023

Gabriela Olivera Hidalgo (Bolivia) - Beca Latinoamérica
Liz Tasa (Perú) - Beca Latinoamérica
Viri Florentti (México) - Beca México. Con el apoyo del Centro de la Imagen
Luciana Sieza (Argentina) - Beca Argentina
Mercedes Cotolí (Argentina) - Beca Argentina
Ximena Benvenutto Lopex (Perú)
Elena Paola Caicedo Andrade (Ecuador)
Angel Narada De Guillermo Garcia (México)
Carolina Fuentes Quezada (México)
Mercedes Garcia Baltar (Argentina)
José Alfredo Garza Ledesma (México)
Carolina Grillo (Argentina)
Florencia Belén Gonzalez Hardoy (Argentina)
José Cristian Herrera Frías (México)
Lina Alejandra Jiménez Pardo (Colombia)
Teodora Elvira Lara Lecuona (México)
Onnis Luque Rodríguez (México)
Rosalinda Olivares Treviño (México)
Sofia Pal (Argentina)
Lilia Pereira (Argentina)
Mónica Beatriz Perfetti (Argentina)
Agustina Puricelli (Argentina)
Hector Quintanar Pérez (México)
Francisco Javier Ramírez Barrera (EE.UU.)
Zahira Rivero (Argentina)
Tania Elizabeth Rubiños Martínez (México)
Cutzi Itzé Salgado García (México)
Zonia Zena (EE.UU.)

Lxs artistas becadxs y seleccionadxs serán contactadxs por e-mail. Nuevamente, gracias a todxs lxs participantes y felicitaciones a lxs becadxs y seleccionadxs.

Modalidad

Proyecto Imaginario - Latinoamérica está estructurado en dos bloques de clases que corren en paralelo durante los 17 meses del programa: las clínicas de obra y los talleres y seminarios que buscan apoyar la clínica desde múltiples aspectos y brindar herramientas de autogestión.

Todas las clases del ciclo se darán con el docente en vivo. Los encuentros quedarán grabadas para aquellxs alumnxs que no hayan podido concurrir o deseen volver a verlas.

El ciclo tiene una carga total de 260 horas. Se entregarán certificados de asistencia.

El ciclo se cursará los días martes y jueves de 19 a 21h (hora Argentina).



Clínica de obra

Con cada uno de los docentes de clínica los participantes tendrán la oportunidad de revisar en profundidad su trabajo, discutir metodologías, referencias, posibles abordajes para las siguientes etapas del proyecto, opciones de materialización y compartir dudas. Es la actividad más intensa del ciclo y la más enriquecedora para cada autor y para el grupo.

Los docentes a cargo de las clínicas serán Eduardo Stupía, Romina Resuche, Santiago Porter, Verónica Fieiras y Cecilia Lutufyan.


Seminarios y talleres

Cada uno de los seminarios y talleres están pensados para fortalecer la reflexión sobre la obra de cada participante y brindar herramientas que permitan autogestionar la producción de cada autor. Los ya confirmados para 2022-2023 son:

La fotografía en las prácticas artísticas contemporáneas+
Diego Guerra

El propósito del seminario es reflexionar sobre algunos aspectos clave de la fotografía y su lugar en el arte contemporáneo dentro y fuera de la Argentina, a partir de una serie de temas de amplio alcance que se tomarán como ejes conductores. Lejos de tratarse de un curso organizado cronológicamente ni cerrado en torno a una sucesión de movimientos artísticos o biografías de autores, el seminario nos invita a la reflexión crítica en torno a las obras, la apropiación del discurso teórico y la construcción de un punto de vista propio sobre las imágenes y sus circunstancias de producción y circulación.

El texto de la obra+
Silvia Gurfein

Presentación escrita del propio trabajo. Conceptualización de obra a través de la palabra como herramienta. Ejercicios de entrenamiento para encontrar las palabras: Escribir, editar, reescribir. Volver a escribir, ejercitar, soltar.

Curso y discurso+
Gonzalo Golpe

A partir de tres ejes sustentadores: el lenguaje, la poética y la narrativa visual, realizaremos un ejercicio de síntesis personal que tiene como objetivo el cuestionamiento del sistema de la fotografía de autor/a y de sus fundamentos.

A partir del formato libro, carta de presentación y principio de orden de la fotografía contemporánea, pero también el soporte que más capacidad muestra para tensionar el llamado “lenguaje fotográfico”, el docente irá componiendo una suerte de soliloquio a partir de una visión holística que se alimenta tanto de su experiencia profesional como profesor, editor y comisario como de su devenir autoral y de su sistema de creencias y valores.

Contexto contemporánea+
Fabiana Barreda

Nuestra producción en el contexto del arte contemporáneo. Cuál es nuestro marco de referencia, nuestras prácticas afines. Qué otros artistas de disciplinas diversas utilizan dispositivos similares.

Edición y publicación+
Eugenia Rodeyro - Magdalena Pardo

Pensar la edición como una fábrica de ideas: Fabricar un libro. Conocer a los actores de un equipo editorial: autor, editor, redactor, traductor, corrector de estilo, retocador, armador, prologuista, productor gráfico, diseñador gráfico. Realizaremos ejercicios individuales y colectivos buscando abordar diversos aspectos de un proyecto editorial. Brindaremos herramientas fundamentales para publicar un libro.

Narrativas visuales, plataformas y redes+
Monica Allende

A partir de casos de estudio se hará por un lado una revisión actualizada sobre el concepto de ‘fotografía expandida’, tomando como punto de partida el formato fotográfico y sus posibilidades narrativas en un cruce con las herramientas tecnológicas y las disciplinas artísticas diversas. Por otro lado, se buscará profundizar en un análisis sobre las plataformas para proyectar, distribuir y dar visibilidad a un proyecto fotográfico hoy.

Cronografías – El cine desde una mirada fotográfica+
Karin Idelson - Ignacio Masllorens

Tomando como referencia esta afirmación de Jean-Luc Godard que asegura que el cine es una herencia de la fotografía, proponemos un taller sobre la práctica audiovisual desde una perspectiva fotográfica.

A través de clases teórico-prácticas veremos historias, acercamientos y abordajes posibles de la representación del mundo contemporáneo mediante cámaras de video, rastreando las complicidades entre la fotografía, el video y el cine. También analizaremos obras de cineastas que provienen de la fotografía o cuyos estilos están fuertemente emparentados con la imagen fija.

Pedagogías de la mirada+
Andrea Jösch

El seminario pretende abrir una discusión sobre la relevancia de las imágenes en las formas de comunicación y formación, así como de las prácticas y metodologías de investigación desde la propia creación artística.

Espacios de circulación+
Carolina Rodríguez Pino

Este módulo propone herramientas para sistematizar y organizar estrategias de difusión y circulación de obra, según los objetivos de cada artista. El cambio de paradigma en el circuito y campo artístico actual, exige mayor participación y profesionalismo de los artistas, que actúan como los propios gestores culturales de su producción.

Fotografía expandida desde y hacia otros medios y tecnologías+
Mariano Ramis

Durante las clases del seminario analizaremos el cruce entre disciplinas, saberes y métodos que en el espacio de creación contemporáneo influyen en la captura y creación de imágenes, y amplían los límites de lo posible. Este contexto transmedial, fascinante y por momentos inabarcable, requiere de una mirada reflexiva que visite la historia de estos cambios y nos permita comprender cuáles son las nuevas herramientas de creación disponibles, basadas en la informática, la virtualidad, la interacción, las redes, etc.

Nuestra tarea no será simple, intentaremos ver qué hacer con esas herramientas y evitar que ellas hagan lo que quieran de nosotrxs.

Curaduría y diseño expositivo+
Francisco Medail

Un taller diseñado para pensar nuestro proyecto en el espacio. Por medio de la revisión de experiencias curatoriales y de la ejercitación con nuestros trabajos entenderemos la complejidad de pensar una exposición y detectaremos los distintos elementos que tenemos que considerar.

Sonidos situados+
Julián Teubal

Encuentros que proponen crear una dinámica de laboratorio para la discusión, intercambio y análisis en torno a la escucha, el sonido y las prácticas audiovisuales contemporáneas. La fortaleza del círculo es formar un espacio virtual de reflexión, con numerosas posibilidades de producción de obra y revisión de la misma. Articular conceptos y materiales como forma también de ampliar la percepción. Generar un espacio de intercambio de experiencias propias y/o colectivas, para alentar los distintos estadíos de los procesos creativos de los participantes.

Taller de autoayuda para la escritura práctica+
María Paula Zacharías

Escritura descriptivo-poética. Hablar en términos concretos y específicos de la propia obra. Qué hacer ante un micrófono. Autobiografía. Ensayos para una versión multiuso. Gacetilla o post sobre una muestra. Cómo comunicar lo que se hace. Redes. ¿Sí? ¿No? ¿Cómo? ¿Para qué? Llenar formularios: aplicaciones, solicitudes, subsidios y otros suplicios para lograr residencias y concursos.

Archivo, memoria y ficción+
Valentina Siniego Benenati

La archivalización y el archivo en primera persona. Exploración de herramientas propias de las ciencias sociales como parte del proceso creativo.

De la fotografía a lo performático+
Mariela Sancari

Este taller propone pensar la relación entre fotografía y performance, rastreando su origen en el registro de las primeras obras de artistas del performance, pasando por la noción de acción transformada en objeto, hasta llegar a su desmaterialización.

Haremos un repaso del trabajo de diversos autores que usan la imagen para documentar una acción, así como los que accionan para la cámara. También analizaremos la imagen posible que resulta de esta relación con la performance, intentando pensarla desde su autonomía, potencia y capacidad de desplazamiento; desde ese espacio entre ambas que podemos entender como un campo fecundo de exploración.

Visitas de artistas

A lo largo del año recibiremos visitas de destacados curadores y artistas de diversas disciplinas que compartirán con nosotros su obra y sus procesos de producción. En ediciones anteriores nos visitaron Ana Gallardo, Juana Molina, Claudi Carreras, Mariela Sancari, Nicolás Combarro, Rosana Schoijett, Andrea Ostera, Guillermo Ueno, Javiera Pintocanales, José Luis Cuevas, Pablo Lapadula, Esteban Pastorino, Juan Lo Bianco y Matías Giuliani entre otros.

Seguimiento de los proyectos

Durante todo el ciclo, proponemos un seguimiento sobre los trabajos de lxs autorxs. Tanto para sus series fotográficas como para sus proyectos de publicación o exposición. Por ello es que abriremos instancias de trabajo grupales e individuales. Estos encuentros serán coordinados por Valentina Siniego, Martín Estol y María Elena Méndez.

Proyecto Imaginario

Docentes

Eduardo Stupía

Eduardo Stupía

(Vicente López, provincia de Buenos Aires, 1951)

Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano, de Buenos Aires. Es artista visual y expone local e internacionalmente en muestras grupales e individuales desde 1973. Ejerce la docencia en Artes Visuales desde 1986, y ha actuado como jurado en premios municipales y nacionales, y en festivales cinematográficos. Es autor de numerosas reseñas sobre artistas y exposiciones, asi como de notas sobre estética y políticas del arte publicadas en medios locales e internacionales.

Stupia trabaja con diversos materiales, tales como carbonilla, lápiz, grafito, pastel, óleo y acrílico, y a través de trazos siempre muy particulares, que se caracterizan por la expansión de inconfundibles tramas de líneas negras sobre fondo blanco. Desde 1973 realizó muestras individuales en Lirolay, ArteMúltiple, Ruth Benzacar, Ática, Art House, Del infinito, Jorge Mara-LaRuche, Dan Galería y Galeria Maria Baró ( ambas de San Pablo, Brasil), IVAM ( Instituto Valenciano de Arte Moderno), Rosenfeld – Porcini Gallery (Londres), y Galería Xippas de Arte Contemporáneo en sus sedes de Paris, Montevideo y Punta del Este, entre otras.

En el año 2012 fue invitado a exhibir una muestra individual en la 30ª Bienal de San Pablo. Participa asiduamente en muestras grupales, premios y salones nacionales e internacionales y obtuvo los dos premios más importantes de su país, el GRAN PREMIO DEL SALÓN NACIONAL y el GRAN PREMIO DEL SALON MUNICIPAL MANUEL BELGRANO en la especialidad Dibujo.

Uno de sus trabajos de los años 80 ha sido adquirido por el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) y expuesto entre noviembre de 2007 y febrero de 2008 en la muestra grupal New Perspectives in Latin American Art 1930 2006 : Selections from a decade of adquisitions. El Perez Art Museum de Miami Beach también acaba de incorporar una de sus piezas más recientes.

Romina Resuche

Romina Resuche

Acompaña a artistas e investigadores en sus procesos y prácticas. Aborda la curaduría interesada en las posibilidades del sitio específico, articulando desde la estética relacional y la posproducción, y centra su investigación en los usos de los archivos en las prácticas artísticas y políticas.

Curó exhibiciones individuales, ideó y produjo proyectos curatoriales, también mesas de diálogo; y participó con sus textos en muestras, fotolibros, catálogos y otras publicaciones de artistas de Argentina, Uruguay, México, Chile, Dinamarca, Francia y España. Desde siempre escribe. Algunos de sus textos vinculados a fotografía son parte del archivo del suplemento Radar del diario argentino Página 12.

Participó como editora, visionadora, tallerista, ponente y curadora en festivales, espacios, eventos y coloquios vinculados a la fotografía en Argentina, Chile, Uruguay, Ecuador y México. Creó y coordinó el programa de residencias Wabi Sabi, en una isla del delta del Paraná (Buenos Aires).

Su taller Álbum Abierto, creado en 2013, profundiza en la creación y reflexión a partir de materiales de archivo, biográficos y de memoria. El mismo tuvo versiones en distintos espacios e instituciones culturales, artísticas y educativas como Centro de la Imagen (Mex), Centro de Fotografía de Montevideo (Uruguay) y Museo de la Solidaridad Salvador Allende (Chile), entre otras. Actualmente produce, dirige y coordina el programa online Archivos y Activaciones.

Cecilia Lutufyan

Cecilia Lutufyan

(Buenos Aires, 1973).

Se graduó como Licenciada en Ciencias de la Comunicación en la UBA (1998). Fue premiada con una beca para realizar el Master PhotoEspaña en Madrid (2015-2016). Se formó en los talleres y clínicas de Tulio de Sagastizábal, Adriana Lestido, Julieta Escardó y Juan Travnik; realizó workshops con Juan Canela, Antonio Ballester Moreno, Nicolás Paris, Clare Strand, Paul Seawright, Noe Sendas, Anders Petersen, Luis González Palma, Silvia Gurfein, Humberto Rivas.

En 2018, fue seleccionada para los talleres en residencia curados por Phillipe Cyroulnik en Marco Arte Foco, Buenos Aires, Argentina. En 2017 fue premiada en los Encuentros de Arte Contemporáneo de Alicante, España; fue finalista del Premio Itaú, del premio Nexofoto y del Salón Nacional de Artes Visuales de Junín. Fue invitada a participar del Festival Tranzisioni en Bergamo, Milán y Bologna (Italia) y recibió una beca para participar de la residencia CAN SERRAT en Cataluña. Su dossier de artista fue elegido para ser publicado en CirculoA, plataforma de Arte Iberoamericano, en Fototazo y en Luz del Norte (plataforma de difusión de fotografía latinoamericana). Quedó seleccionada en el 5to y 4to PREMIO AAMEC de Fotografía Contemporánea en 2016 y 2014. Su fotolibro Criaturas fue premiado con el premio publicación en el marco de la Bienal de Fotografía de Lima en 2011.

Sus trabajos fueron exhibidos en Argentina, Uruguay, Paraguay, Brasil, España e Italia.

Santiago Porter

Santiago Porter

(Buenos Aires, 1971).

Su obra, exhibida en muestras individuales y colectivas en la Argentina y en el exterior, forma parte de numerosas colecciones, tanto públicas como privadas. En 2002 recibió la beca Guggenheim y fue también becado por la Fundación Antorchas de Buenos Aires. En 2007 fue becado para participar del programa Intercampos III en la Fundación Telefónica de Buenos Aires y obtuvo el Primer Premio de fotografía de la Sociedad Central de Arquitectos de Buenos Aires. En 2008 obtuvo el premio Petrobras-Buenos Aires Photo. En 2010 le fue otorgada la Beca Nacional del Fondo Nacional de las Artes y en 2011 fue seleccionado para participar del Programa de Artistas de la Universidad Di Tella. Es autor de los libros Piezas, publicado en 2003, La Ausencia, publicado en 2007 y Bruma, pronto a ser publicado en 2017. Actualmente es Profesor en el Departamento de Ciencias Sociales de la Universidad de San Andrés. Vive y trabaja en Buenos Aires.

Diego Guerra

Diego Guerra

(Buenos Aires, 1976)

Es historiador del arte, Doctor en Historia y Teoría de las Artes por la UBA y en Español por la Université Rennes 2 (Francia). Su tesis doctoral estudió el retrato fotográfico post-mortem en la Argentina entre fines del siglo XIX y comienzos del XX. Actualmente investiga los vínculos entre la fotografía, el arte y la industria cultural y trabaja en la puesta en valor del archivo del fotógrafo Boleslaw Senderowicz. Es coautor de los libros Boleslaw Senderowicz, fotógrafo (Vasari, 2019) y Haluros del Sur (CIFHA, 2019) y ha colaborado en diversas publicaciones colectivas sobre teoría e historia de la fotografía. Es docente de la UBA, la Universidad de San Andrés y la Universidad de Palermo y dirige el Programa de Estudios sobre Fotografía y Artes Visuales, radicado en el Centro de Investigación en Arte, Materia y Cultura de la Universidad Nacional de Tres de Febrero. Participa como docente en el programa Proyecto Imaginario desde 2016.

Fabiana Barreda

Fabiana Barreda

(Buenos Aires, 1967)

Fotógrafa y performer, curadora y crítica de arte. Egresada de la Facultad de Psicología de la UBA, institución de la que dirige la Galería de Arte. Es Profesora de Psicología del Arte en la Universidad Nacional de Tres de Febrero y de Arte Contemporáneo en el Instituto Universitario de Arte. Dicta seminarios en las carreras de Diseño de Indumentaria, Psicología y Arquitectura de la UBA.

Participa de exposiciones colectivas en Argentina y el exterior desde 1992. Hace su primera muestra individual en 1996 y desde 1998 trabaja en el Proyecto hábitat, que sigue desarrollando hasta el presente. Alrededor de este tema realiza desde el año 2000 una serie de performances y videos.

En 1998 edita el libro La Ciudad Subterránea, ensayo fotográfico con textos de Marc Augé, Clorindo Testa, Marcelo Pacheco y Jorge López Anaya y en 2001 realiza una publicación alternativa titulada Manifiesto Proyecto Habitat.

Entre las distinciones que recibe figuran: en 1993 una Mención por Objeto en la Bienal Arte Joven de Buenos Aires; en 1996 la Beca para perfeccionarse en el Taller de Barracas otorgada por la Fundación Antorchas; en 1999 la Beca Salzburg Seminar del Schloss Leopolskrom, Austria y el Premio al Fotógrafo del Año de la Asociación Argentina de Críticos de Arte; en 2000 el Premio Leonardo del Museo de Bellas Artes al Fotógrafo del Año; el Segundo Premio Fotografía en el Premio Fundación Klemm, la Mención en el Salón de Creatividad del Fondo Nacional de las Artes; en 2001 la Beca del Fondo Nacional de las Artes, la Mención Honorífica del Premio Banco Nación y el Segundo Premio Salón de Fotografía del Museo Castagnino; en 2002 la Beca subsidio a la Creación de la Fundación Antorchas y el Diploma al Mérito en Artes Visuales-Instalación otorgado por la Fundación Konex.

Su obra es seleccionada para la VII Bienal de La Habana (2000) y para la Bienal de Arquitectura de Rotterdam Holanda (2003).

Está representada en las colecciones del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, de la Fundación Arte BA, de la New York University y del Museo Castagnino de Rosario.

Francisco Medail

Francisco Medail

(Entre Ríos, 1991)

Estudió gestión en la Universidad Nacional de Avellaneda y actualmente cursa la maestría en historia del arte argentino y latinoamericano en IDAES/UNSAM. En 2011 es seleccionado para el premio Curriculum Cero en la galería Ruth Benzacar. En 2016 obtiene la beca de creación del Fondo Nacional de las Artes y en 2018 recibe el subsidio a la creación artística del Fondo Metropolitano de las Artes. Ese mismo año es seleccionado por la Embajada de Francia para realizar una residencia en la Cité Internationale des Arts en París.

Entre sus exhibiciones individuales se destacan Extimidad (2013), Parte (2015) y Fotografías 1930-1943 (2017). Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas, entre ellas el Museo Nacional de Bellas Artes, el Museo Provincial Emilio Caraffa y el Getty Research Institute. Actualmente dirige Pretéritos Imperfectos, una colección de libros teóricos sobre fotografía y desde el año 2015 se desempeña como director artístico de la feria Buenos Aires Photo. Vive y trabaja en Buenos Aires.

Gonzalo Golpe

Gonzalo Golpe

(Madrid, 1975)

Editor independiente y profesor.

Licenciado en Filología Hispánica y diplomado en Edición y Publicación de Textos por la Universidad de Deusto. Especialista en autoedición y producción gráfica.

Desde 2014 forma parte de La Troupe, un colectivo de profesionales de las artes gráficas dedicado al trabajo de autor, tanto en su vertiente editorial como expositiva.

Su labor como editor ha sido distinguida en dos ocasiones con el Premio Nacional a la Mejor Edición de Libro de Arte por Ramdon Series de Miguel Ángel Tornero, RM, 2014 y Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris, 1875-1918 de Javier Viver, RM, 2015. También cabría destacar el premio Aperture ParisPhoto Photobook Award con “Karma” de Óscar Monzón, RVB Books+Dalpine, 2103, libro en el que colaboró como coordinador de producción.

Mariela Sancari

Mariela Sancari

(Buenos Aires, 1976)

Vive y trabaja en la Ciudad de México desde 1997.

Su trabajo gira en torno a la identidad, la memoria y la veracidad y la ficción en las imágenes. Examina las relaciones personales, la delgada y esquiva línea que separa los recuerdos de la ficción y el tenue valor de la imagen como documento real o afectivo. Utiliza narrativas personales para explorar los límites del alcance de la fotografía como medio de representación. Su obra refiere tanto la dimensión afectiva –aunque no sentimental– del trabajo autobiográfico, así como exploraciones formales del medio, a través de cuestionamientos relacionados a la puesta en escena, la autorreferencialidad en la práctica fotográfica y sus mecanismos de significación.

Ha recibido numerosos reconocimientos: Ganadora de la VI Bienal Nacional de Artes Visuales Yucatán 2013 y del Premio Descubrimientos PHotoEspaña 2014. Su trabajo fue seleccionado en la XVI Bienal de Fotografía del Centro de la Imagen y recibió Mención Honorífica en la XI Bienal Monterrey FEMSA, con su serie Moisés, entre otros.

Su primer libro Moisés fue seleccionado por varios curadores y especialistas como Sean OHagan, Tim Clark, Erik Kessels, Jörg Colberg, Larissa Leclair, Yumi Goto and Colin Pantall como uno de los mejores fotolibros del 2015. En 2017 publicó su segundo libro en colaboración con el escritor Adolfo Córdova: Mr. & Dr., un fotolibro dirigido a niños y jóvenes que explora la noción de lo desconocido a través de imágenes y texto. Es coordinadora de FOLIO, programa en torno al fotolibro del Centro de la Imagen.

Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas en la Ciudad de México y en el extranjero en ciudades como Nueva York, Madrid, Barcelona, Buenos Aires, Ciudad de Guatemala, Sao Paulo, Fort Collins, Houston, Busan (Corea) y Cork (Irlanda).

Andrea Jösch

Andrea Jösch

(Arica, Chile, 1973)

Fotógrafa, Magíster en Gestión Cultural Universidad de Chile.

Es coordinadora de investigación y creación en la Facultad de Arte Universidad Finis Terrae y coordinadora académica del Magíster en Investigación y Creación Fotográfica de la misma institución. Editora en jefe y fundadora revista sudamericana de fotografía Sueño de la Razón (2009); coeditora de la revista Ojozurdo, fotografía y política (2017).

Curadora de proyectos artísticos en torno a las imágenes, como la muestra Caprichos: Imágenes Rebeldes de Mauricio Toro Goya (MNBA Santiago, Museo Histórico González Videla, La Serena, CDF Montevideo); Caballero Solo de Marcelo Montecino (Corpartes, Santiago); Lo común de Luis Weinstein (curatoría comunitaria, Museo Histórico González Videla); entre otros.

Trabajo de acompañamiento editorial como El sueño sudamericano de Cristian Ochoa; Mapa: Marcas en el Paisaje y Réplica Original de Nicolás Sáez; Bailarines del Desierto de Andrés Figueroa; El Eje de Javier Godoy; entre otros.

Ha participado en diferentes coloquios, seminarios, talleres, comités editoriales, tanto a nivel nacional como internacional.

Verónica Fieiras

Verónica Fieiras

Nace en Buenos Aires y vive en Madrid desde el año 2000 hasta el 2019. Es profesora de fotografía, editora y autora autodidacta. Desde el año 2006 es miembro estable del cuerpo docente de la escuela madrileña EFTI, donde es tutora residente en el Master Internacional de Fotografía y Gestión de Proyectos. Ha dado talleres sobre creación de fotolibros en diferentes partes del mundo. Entiende la construcción de un libro como un viaje creativo a transitar junto al autor, reinterpretando y adaptando su trabajo hacia un nuevo medio expresivo. Su trabajo editorial ha sido expuesto en diferentes partes del mundo y en 2018 realiza tres exposiciones que ponen el foco en el proceso y la conceptualización de la creación de un fotolibro.

Cree en la enseñanza como una estimulación a la autonomía, la autoconfianza y el autoconocimiento. Defiende la intuición, la pasión, la incomodidad, el vacío, el bloqueo, la duda y el error como herramientas desde las que construir un aprendizaje sólido.

Tanto su producción visual como editorial giran en torno a proyectos de contenido incómodo y a diversas manifestaciones de problemáticas socio-políticas. Actualmente se encuentra trabajando en un proyecto personal sobre el corralito que tomará forma de exposición en el corriente año. Sigue haciendo libros y casi nunca descansa.

Monica Allende

Monica Allende

Curadora independiente, productora creativa, consultora y docente. Es Directora Artística del Landskrona Foto Festival (Landskrona, Suecia). Fue directora de GetxoPhoto - Festival Internacional de la Imagen (Bilbao, España) y de Format International Photography Festival (Derby, Reino Unido). Fue editora fotográfica de The Sunday Times Magazine.

Como directora creativa colabora en proyectos con WeTransfer, screenprojects.org entre otros y desarrolla proyectos multidisciplinarios con artistas y plataformas digitales.

Es nominadora para el Deutsche Börse Photography Foundation Prize, el Prix Pictet, The Joop Swart Masterclass/ WPP; FOAM Paul Huf Award, y ha sido jurado en diversos premios internacionales como World Press Photo, Bar Tur Photobook Award, La Fabrica/Photo London dummy award, phmuseum award, Visura Grant, National Portrait Gallery’s Taylor Wessing Photographic Portrait Prize, entre otros.

Karin Idelson

Karin Idelson

(Buenos Aires, 1978). Fotógrafa y cineasta. Estudió la carrera de Ciencias de la Comunicación (UBA). En paralelo comenzó sus estudios de fotografía, dirección de fotografía en cine (SICA - TEBA) y lenguaje visual con referentes de la teoría y artistas nacionales y extranjeros (Gabriel Valansi, Alberto Goldenstein, Piroska Csúri, Alejandro Castellote, entre otrxs).

Su obra fotográfica forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Latinoamericano de Bs As, Museo de Arte Moderno de Bs As, del Museo Emilio Caraffa y de distintas colecciones privadas.

Dirigió el documental “Canción de amor” que compitió en BAFICI y fue exhibido en el Festival International de Cinéma de Marsella, Festival Internacional de Cine de Valdivia, entre otros.

Además de su actividad como artista, desde hace más de 15 años se dedica a la docencia de forma pública y privada. Actualmente es profesora adjunta en la Universidad de Bs As, Universidad de San Martín y Universidad de La Plata donde enseña iluminación y cámara, lenguaje audiovisual y dirige las tesis de dirección de fotografía de las carreras de cine.

Eugenia Rodeyro

Eugenia Rodeyro

Estudió Administración de Empresas en la Facultad de Ciencias Económicas de la Universidad de Buenos Aires (UBA). Allí dictó clases de marketing y fue asistente del reconocido licenciado Alberto Levy. Realizó el posgrado de Clusters Organizacionales en la Facultad de Psicología (UBA); el posgrado de Formación Docente Continua en la Facultad de Ciencias Económicas (UBA); y el curso de posgrado Transformación Organizacional en escenarios de alta complejidad (Lo estratégico y lo psicosocial).

Desde el 2003 formó parte del equipo de gestión de Espacio Ecléctico Asociación Civil, una ONG conformada en un espacio de artes que constituye un punto de albergue y difusión de producciones de artistas del medio local (Buenos Aires), nacional (Argentina) e internacional en el campo de las Artes Plásticas, Escénicas y Dramaturgia, entre otros. AllÍ desarrollo su expertise como fundraiser y en el campo de la gestión cultural realizó producciones internacionales, intercambios artísticos con instituciones pares, festivales, publicaciones periódicas y co-producciones. Entre ellas, durante 13 años fue la productora ejecutiva de la Feria de Libros de Fotos de Autor, un evento que, año tras año, reúne a los fotógrafos más destacados de la ciudad e invita a participar de la feria a proyectos internacionales vinculados con la fotografía.

Es Directora Editorial y co-fundadora de La Luminosa, la primera editorial en Argentina que produce libros de fotografía en cuidadas ediciones numeradas y firmadas adecuadas a la demanda de cada título. La Luminosa se ha especializado en publicaciones de alto valor artístico, atendiendo a las producciones más recientes de fotógrafos consagrados y emergentes.

Ignacio Masllorens

Ignacio Masllorens

Es egresado de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido de la UBA. Realizó los films Martin Blaszko III (2011), Hábitat (2013) y El teorema de Santiago (2015) así como varios telefilms, cortometrajes y obras en video como The girl from Downtown (2014), Trainspotter (2017, Primer premio concurso de Artes Audiovisuales del FNA) y Las imágenes y las cosas (2018, Segundo premio 107º Salón Nacional de Artes Visuales). Actualmente se encuentra filmando los largometrajes Atlas -codirigido con Guadalupe Gaona- y Fanny Camina, junto a Alfredo Arias. Su obra ha sido exhibida en diversos festivales, museos y centros como BAFICI, Anthology Film Archives, VIENNALE, Festival Oodaaq, ArcoMadrid International Contemporary Art Fair, Fundación Klemm, Fundación Andreani, Festival Biarritz Amérique Latine, Festival de Cine de Mar del Plata, Galería Belleza y Felicidad, BIM, Interfilm, L’Alternativa, Festival de Cine Latinoamericano de La Habana, MALBA, MAMBA, Centro Cultural Rojas y Centro Cultural Recoleta entre varios otros.

Como docente ha dictado cursos y charlas en la Universidad del Cine (FUC), Universidad Nacional del Litoral (UNC), Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo (FADU) de la Universidad de Buenos Aires, Museo del Libro y de la Lengua de Buenos Aires, Corporación Universitaria UNITEC y en Escuela Nacional de Cine (Bogotá).

Magdalena Pardo

Magdalena Pardo

(Buenos Aires, 1982)

Egresada de la carrera Diseño de Imagen y Sonido de la UBA y mágister en guión de cine en la Universidad Autónoma de Barcelona. Realizó cortometrajes que participaron en festivales nacionales e internacionales como el Festival Internacional de Mar del Plata, y dirigió un largometraje declarado de interés cultural de la ciudad de Mar del Plata. Asistió a talleres de fotografía dictados por Guillermo Ueno, Alberto Goldestein, Julieta Escardó, Julie Weisz y Palmer Davis en el ICP de Nueva York. Su trabajo fotográfico fue publicado en varios libros y sitios de divulgación artística argentinos y del exterior. Participó de la 8va Feria de Fotolibros de Autor con un libro destacado y de diversas exposiciones colectivas, entre ellas: "Espacios Íntimos" en Casa Florida, Vicente López; "Todavía lo mismo y siempre lo mismo" en Galería Yapeyú, Bs.As; "Before all else" Urban Picnic Gallery, Essex, Reino Unido; "30 under 30" Women Photographers en Photoboite.com; "Agua Viva" en el museo Quinquela Martín, Casa Thays, y la Casona de los Olivera; BAPhoto 2014 Centro Cultural Recoleta.

Durante más de diez años trabajó como diseñadora para agencias de comunicación y prensa argentinas y durante tres años fue la encargada del área de diseño de un estudio londinense. Realizó trabajos tanto para marcas de primera línea como para proyectos de artistas y particulares.

Actualmente transita las distintas disciplinas que pertenecen al lenguaje de la imagen, combinando lo visual con lo narrativo, la poesía y el ensayo filosófico.

Mariano Ramis

Mariano Ramis

(San Pedro, Buenos Aires, 1979)

Graduado de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido FADU/UBA, preparando actualmente su tesis en la Maestría en Diseño Interactivo. Investigador del Instituto de Arte Americano FADU/UBA, en el proyecto "Apuntes sobre los orígenes y el desarrollo de las narrativas audiovisuales no lineales y de la cultura de códigos abiertos"

Coordinador de proyectoidis.org.

Profesor en las carreras de Diseño Gráfico y Diseño de Imagen y Sonido, en las materias Medio Expresivos, Técnicas Audiovisuales y Proyecto Audiovisual todas en FADU/UBA.

Profesor Invitado por la Friedrich-Schiller-Universität en la materia Film studies, Jena, Alemania.

Profesor invitado del Centro de Estudios Audiovisuales (CAS) dentro de la (FAMU) Filmová a Televizní Fakulta Akademie Múzických Umění Praga, República Checa.

Como artista visual se dedica a la experimentación sobre el registro de la imagen en movimiento. Ha exhibido sus trabajos en festivales, museos y salones en Argentina, América y Europa.

María Paula Zacharías

María Paula Zacharías

Graduada con honores de la Licenciatura en Periodismo en la Universidad del Salvador y ex profesora de esa casa, obtuvo la Diplomatura en Gestión Cultural en IDAES-UNSAM y prepara su tesis de la Maestría en Historia del Arte Argentino y Latinoamericano. Es colaboradora permanente de La Nación, donde escribe sobre artes visuales desde 2004, y de la revista Clase Ejecutiva de El Cronista. En Radio Cultura, conduce el programa de artes visuales ¿Por qué son tan geniales? con Fernando García.

Julián  Teubal

Julián Teubal

(Buenos Aires, 1974) es artista visual, compositor y docente. Vivió gran parte de su infancia en Ciudad de México y volvió a la Argentina en 1984, con el regreso de la democracia. Entre 2001 y 2010 vivió en Praga, República Checa. Desde 1998 compone música original para teatro, danza y circo. También ha compuesto música original para cine y televisión. Lleva editado 10 discos de estudio y dirige el grupo La Sonámbula, ensamble instrumental que combina además de música, proyecciones y fotografía. Su obra, ecléctica y heterogénea, incluye fotocollage, dibujo, super 8 experimental, maquetas, escultura, diseño gráfico, cine, video y performance. Coordina desde hace varios años el ciclo de música Suena Washington (desarrollada en una antigua casa en el barrio de Coghlan), ha organizado numerosos ciclos de proyecciones alternativas (Plan 10) y coordina junto a Rosana Simonassi y Hernán Vilchez la plataforma El Oficio del Arte, destinada a la difusión y promoción de artistas y procesos. Colabora desde hace varios años con Javier Cura en sus workshops de contact Two Week on The Wild Side en la ciudad de Bechyně (Rep. Checa), improvisando en el piano para los participantes. Su práctica docente surge más que nada como una extensión de su propia experiencia multidisciplinaria y colaborativa. Es egresado de la carrera de Artes por la Facultad de Filosofía y Letras (UBA). Ha dictado cursos y talleres de Intervención en Arte y Fotografía en la Fundación Walter Benjamin, en el Programa TURMA, en el Instituto Universitario Nacional de Artes (IUNA), en la Universidad Complutense de Madrid, en la Universidad de San Martín (UNSAM) y en el Instituto de Investigaciones Gino Germani (UBA). Entre 2015 y 2016 formó parte del proyecto ENROQUE, dando clases de arte en la villa 1-11-14. Dicha experiencia quedó plasmada en la segunda edición de “Arte y Territorio” (Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti). Es profesor invitado en los seminarios de doctorado “Problemáticas del Arte Contemporáneo” y “Sociología del Arte” dictados por los investigadores Alicia Romero y Marcelo Gimenez, en la Universidad Nacional de las Artes (UNA). En 2016-17 crea junto a Pablo Gershanik la maqueta performática “80 Balas sobre el Ala” que narra el asesinato de Mario Gershanik en La Plata (1975), e indaga desde una perspectiva más amplia las relaciones entre trauma, arte y resiliencia. Dicho proyecto fue desarrollado en una residencia artística en el C.C.M. Haroldo Conti ( “Esto no es una muestra”) y luego repuesto en el 2019 en el 104 (París) y en la Cité Internationale des Arts. Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires.

 

Carolina Rodríguez Pino

Carolina Rodríguez Pino

Licenciada en Historia del Arte (Universidad Internacional SEK, Chile), con estudios de Postgrado en Gestión y Políticas Culturales (FLACSO, Argentina), una Maestría © en Sociología de la Cultura y Análisis Cultural (IDAES-USAM) y un postgrado en Industrias Culturales en la Convergencia Digital (UNTREF).

Ha trabajado en diversos espacios dedicados a la cultura y al arte contemporáneo, tanto en Chile como en Argentina en las áreas de coordinación, gestión y producción de proyectos culturales.

En Argentina, lugar donde reside hace 13 años, ha ejercido cargos de coordinación de proyectos y creación de contenidos artísticos y culturales de impacto provincial.

Ha diseñado programas para la creación de nuevas audiencias, así como trabajado en propuestas de financiamiento, a través de la realización de programas para la captación de fondos, por medio de acuerdos y convenios de patrocinio.

Sus intereses están puestos en el desarrollo, formación, ejecución y evaluación de iniciativas culturales y artísticas, lograr arlos en el ámbito internacional y visibilizarlos como parte indispensable de la cadena de valor de un país.

Valentina Siniego Benenati

Valentina Siniego Benenati

(Ciudad de México, 1978)

Fotógrafa por la Escuela de Fotografía y Centro de Imagen, EFTI (Madrid, España) y Etnohistoriadora por la Escuela Nacional de Antropología e Historia, ENAH (Ciudad de México, México).

Ha sido becaria del programa FONCA-Jóvenes Creadores, México, en dos ocasiones (2006-2007 y 2010-2011) y FORD Foundation, The Institute of International Educaton (2018).

En 2014 contó con Residencias Artísticas- The Banff Centre- (Canadá)- FONCA (México). Formó parte del programa de residencias artísticas Wabi Sabi, en el Tigre, Argentina. (octubre 2017).

Ha participado en diferentes exposiciones colectivas e individuales en México y el extranjero.

Fue directora y diseñó el programa académico de Casa Coyoacán, Fundación Pedro Meyer entre abril 2012 y agosto 2013.

Entre 2013 y 2015 trabajó en ARTICLE19 oficina para México y Centroamérica en el Programa de Libertad de Expresión, coordinó el Programa de capacitación –cursos presenciales y en línea – cursos de protección para periodistas y periodistas audiovisuales en zonas de riesgo. Realizó, como directora y coguionista, el documental interactivo ESTADO DE CENSURA, documental web sobre la violencia que sufre la prensa en México (2015).

Desde 2016 a la fecha ha trabajado en diferentes proyectos como artista visual, curadora o muesógrafa como parte del Colectivo PISO16.

Actualmente vive y trabaja como docente y artista visual en Buenos Aires, Argentina.

Mercedes Halfon

Mercedes Halfon

Estudió Artes (UBA), Escritura creativa (UNTREF). Es escritora, periodista cultural y curadora en artes escénicas. Escribe en el suplemento Radar de Página/12. Es docente de poesía en la carrera Artes de la Escritura en la UNA. Es curadora del ciclo teatral Invocaciones, en el Centro Cultural San Martín. Ha publicado textos breves de narrativa, una novela en colaboración y poesía. Su primera novela El trabajo de los ojos (Editorial Entropía, 2017) fue publicada en Chile (Lecturas ediciones, 2019) y en España (Las afueras). Dirigió en colaboración con Laura Citarella el film Las poetas visitan a Juana Bignozzi, ganador del premio a Mejor Director del Festival Internacional de cine de Mar del Plata, a estrenarse en 2020 en Buenos Aires.

Proyecto Imaginario

Becas

Beca Argentina

Se otorgará una beca completa que cubra el total del costo de cursada del programa a un artista residente en Argentina.

Beca México

En colaboración con el Centro de la Imagen se otorgará una beca completa que cubra el total del costo de cursada del programa a un artista residente en México.

Beca Latinoamérica

Se otorgará una beca completa que cubra el total del costo de cursada del programa a un artista residente en un país Latinoamericano (exceptuando Argentina y México).

Convocatoria cerrada.



Bases para aplicar al programa

Quiénes pueden aplicar

Esta convocatoria está dirigida a fotógrafxs y artistas visuales de cualquier edad, nacionalidad y lugar de residencia. Es importante aclarar que las clases serán dictadas en español.

Material a presentar

Lxs autorxs deberán presentar un único archivo PDF en baja resolución con el siguiente material:

  • Hasta 20 imágenes de un proyecto fotográfico con el cual quiera trabajar a lo largo del ciclo de formación, o un grupo de hasta 20 imágenes que muestren su producción en el caso de que no esté desarrollando actualmente un proyecto.
  • Una síntesis conceptual del proyecto presentado o del grupo de imágenes que presenta que no exceda los 1200 caracteres.
  • Biografía que no exceda los 1200 caracteres.
  • Carta de intención comentando por qué desea realizar Proyecto Imaginario Latinoamérica y cuáles son sus expectativas.
  • Si lo cree necesario otros proyectos, o cualquier otro material, a los fines de facilitar la evaluación de la presente aplicación

Recepción del material

La convocatoria se encuentra cerrada.

Sobre la selección de los participantes

La función del jurado será seleccionar, entre los aplicantes, el cupo limitado de participantes para esta edición del programa. La selección será publicada en la web (www.proyectoimaginario.com.ar) y en las redes sociales y los autores seleccionados serán informados por correo electrónico el día miércoles 27 de julio de 2022.

Fechas importantes

Apertura de la convocatoria: miércoles 1 de junio de 2022.

Cierre de la convocatoria: miércoles 20 de julio de 2022 - CONVOCATORIA EXTENDIDA .

Comunicación de resultados de la convocatoria: miércoles 27 de julio de 2022.

Inicio de clases: jueves 11 de agosto de 2022.

Modalidad

El ciclo tiene una duración total de 17 meses entre agosto de 2022 y diciembre de 2023.

Las clases serán dictadas con la modalidad de aula virtual, con el docente en vivo. Todas las clases quedarán grabadas para aquellos alumnos que no hayan podido concurrir o deseen volver a verlas.

El ciclo se cursará los días martes y jueves de 19 a 21h (hora Argentina).

Arancel

El ciclo 2022-2023 tiene un costo de 17 cuotas mensuales consecutivas de $AR 11.000 para participantes residentes en Argentina y de USD 95 para no residentes. Existe la posibilidad de realizar un único pago obteniendo un porcentaje de descuento

El arancel para residentes en Argentina puede sufrir un leve ajuste a lo largo del programa.

Condiciones de aceptación

Lxs artistas seleccionadxs en esta convocatoria se comprometen a confirmar su asistencia en un plazo menor a los 5 días hábiles desde que se le notifica su selección. La confirmación de la vacante se efectivizará mediante el pago de la primera cuota.

Lxs artistas seleccionadxs se comprometen a completar el ciclo de formación participando en todos los talleres y seminarios.

Consultas

Ante cualquier consulta escribir a convocatoria@proyectoimaginario.com.ar.






Bases para aplicar a una beca

Quiénes pueden aplicar a las becas

Pueden aplicar a las becas artistas de cualquier nacionalidad con al menos 2 años de residencia en América Latina.

En qué consiste la beca

La beca cubre el total del costo de participación en el ciclo ($ 127.500 para residentes en argentina, usd 1615 para participantes de otros países).

Lxs artistas becadxs no recibirán dinero sino que tendrán derecho a cursar el programa sin pagar el arancel de participación.

Lxs artistas becadxs se comprometen a completar el ciclo de formación participando en todos los talleres y seminarios.

Material a presentar

Lxs autorxs deberán presentar un único archivo PDF en baja resolución con el siguiente material:

  • Hasta 20 imágenes de un proyecto fotográfico con el cual quiera trabajar a lo largo del ciclo de formación, o un grupo de hasta 20 imágenes que muestren su producción en el caso de que no esté desarrollando actualmente un proyecto.
  • Una síntesis conceptual del proyecto presentado o del grupo de imágenes que presenta que no exceda los 1200 caracteres.
  • Biografía que no exceda los 1200 caracteres.
  • Carta de intención comentando por qué desea realizar Proyecto Imaginario Latinoamérica y cuáles son sus expectativas.
  • Si lo cree necesario otros proyectos, o cualquier otro material, a los fines de facilitar la evaluación de la presente aplicación

Recepción del material

La convocatoria se encuentra cerrada.

Sobre la selección de los participantes

Un jurado compuesto por docentes de Proyecto Imaginario seleccionará, entre lxs aplicantes, a lxs beneficiarixs de la beca para la edición 2022-2023 del programa. En el caso de la beca para un artista residente en México participarán también de la selección autoridades del Centro de la Imagen. Esta selección será publicada en la web y redes de Proyecto Imaginario y del Centro de la Imagen y lxs artistas seleccionadxs serán informados por correo electrónico.

Fechas importantes

Apertura de la convocatoria: miércoles 1 de junio de 2022.

Cierre de la convocatoria: miércoles 20 de julio de 2022 - CONVOCATORIA EXTENDIDA .

Comunicación de resultados de la convocatoria: miércoles 27 de julio de 2022.

Inicio de clases: jueves 11 de agosto de 2022.

Consultas

Ante cualquier consulta escribir a convocatoria@proyectoimaginario.com.ar.






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